《親陌》（Close）是去年第75屆康城影展評審團大獎得主，比利時導演魯卡斯當（Lukas Dhont）繼4年前首作《夢女芭蕾》（Girl）後，再次將視點放到年輕的男孩身上，刻畫出焦躁不安又敏感的青少年成長時期，上次男孩決定變性作女孩，今次卻是13歲男孩本來友誼深厚，卻因為同學的閒言閒語而逐漸疏遠，最後走上截然不同的道路。
《親陌》入圍今屆奧斯卡金像獎最佳國際影片，導演提到他希望拍電影讓更多人認識事實，帶出這一場男孩們認識自己、對抗世界的內心鬥爭，又認為年輕人比成年人更聰明、更真心。
《親陌》（Close）與《夢女芭蕾》（Girl）都是關於青少年的故事。為何想拍攝電影聚焦於13歲至15歲的成長故事？
我希望展示一個年輕人的世界觀。每個人年輕時，都是第一次去認識世上眾多事情，包括了解我們自己，所以在眾多可能性之間，會開始出現一個發生對抗的時刻。慢慢了解到，其實我們生活在一個充滿標籤、規範、期望等的社會。至少自出生以來，身體已經為我們設下了這套規則。
在這套規則下，我年輕時感到非常困擾，經常感到自己無法達到別人對於「男性」這個期望，所以我從來沒有真正認同自己，也找不到其他獲得共鳴的例子。 因此，在我年輕的一段長時間裡，我想拍電影，因為可以逃避現實。後來進入電影學校及踏入成年後，我意識到拍電影更能面對這個現實，讓人更了解世界上有更多的年輕同性戀者。
《夢女芭蕾》談及身體及外表，《親陌》則關注更多精神方面和心理視角。為何你對在這兩部電影中有這個轉變及探討？
我認為，這兩部電影在某種意義上都是關於身體的。《夢女芭蕾》是一部真正關注與身體關係的電影，片中這個年輕人如何開始理解她的身體，她卻不是世界上一般人所認為的「女性身體」。
至於《親陌》，我認為有更多探討行為及行為方式，包括在團隊中的行為。片中兩個主角在一起，直到世界要將他們分開，二人站在分岔口上，迫使他們走向不同的方向，從而觸痛變成了摩擦，摩擦變成了鬥爭。對我來說，《親陌》是一場關於內心的戰爭，一場心理健康的鬥爭，當中包括了身體，也有悲傷和內疚。雖然身體與內心好像是分開，但它們之間存在某種聯繫。
這兩部電影特別用上芭蕾舞及冰上曲棍球，正是你眼中最代表女性及男性的運動？
電影所呈現的確實如此，但除此以外，這代表一種刻板印象的暴力。當我們談論芭蕾舞時，它是女性優雅經典形象的最高形式；然後我們談到了冰球，這項運動卻是殘酷和暴力的。當《親陌》的男孩穿上這件盔甲並成為冰球員時，那些形象卻消失了，可見這是一種明顯的視覺語言。
片中有個相似的畫面，一大群黑鳥都在天空中朝著同一個方向飛翔，這個畫面既美麗又令人痛心，非常代表著我們年輕時的想法。我們當中的不少人都希望自己屬於大多數，所以我們朝著其他人的飛翔方向而飛去，但一心只是想成為他們的一部分，卻沒有想到自己真實的想法。對我來說，那些打冰球的男孩，穿著黑色盔甲的男孩，確實與那些黑鳥有點相似。
這兩部電影的角色都比較開放，尤其是角色的父母。在你眼中，電影中的父母角色的象徵意義是甚麼？
相信大家都明白，這些關係非常複雜。很多父母經常被描述為不理解孩子的人，但我對這方面興趣不大，我更想談論社會之間衝突，以及一個所有人都被分配角色的世界，因為這才是衝突的真正根源。我覺得可以將父母視為主角，或是有缺陷的人，但他們竭盡全力並盡力為他們的孩子服務，這才是我最感興趣的事情。我確實認為這兩部電影中都有探討這方面的溝通，源於我們生活在一個沒有刺激心靈的世界，希望大家能夠學會心靈方面的互相溝通。
找年輕人做主角實在不容易，你認為他們夠成熟地了解這部電影的訊息？
成年人經常低估年輕人的想法。我總是盡可能與他們的視覺保持平衡地出發。同時，我覺得他們的說話非常聰明，甚至經常覺得他們比成年人更聰明，特別在情感之上，因為他們比較真心，以最純粹、最本質、最激進的方式說話。
有時成年人會審查自己，或者說一些預期別人會接受的說話。但很多方面，年輕人都只會說自己心中所想的那一句，所以當他們閱讀劇本時，我認為他們對劇本很有想法，並以很好的方式討論劇本，最後亦因為那次談話，重塑了我這部電影變成更真實的樣子。
最後，不少影評人都說你的電影風格和戴丹兄弟（Dardenne brothers）相似，那你怎麼看呢？
戴丹兄弟？這真是一個很好的恭維，感覺良好，真的。戴丹兄弟來自比利時，我一直從他們身上學到的是，他們真的與角色處於同一視角出發，這是我一直努力做到的事情，而且他們在工作中有很強的節奏，隨著世界各地的進步，我真的認為在我們在電影語言中進步。
戴丹兄弟對真實事情非常感興趣，他們有一種非常準確的現實主義，但我認為自己的電影在視覺風格上，更喜歡使用色彩和表現主義，以非常有風格的方式去呈現真實，但當中亦有部分元素，提醒觀眾這是虛構的，所以兩者有點不同。不過，我當然會接受這方面讚美，因為他們的確在我的電影成長過程中非常重要。
